Artista de referencia: ARNO RAFAEL MINKKINEN

Nació en Finlandia en 1945, aunque se traslada pronto a los Estados Unidos; aún así, siempre vive a medio camino entre uno y otro, realizando también numerosos viajes alrededor del mundo. Su última exposición data de 2001 en Francia.

Utiliza la fotografía de tipo documental, en blanco y negro, mezclando desnudos con paisajes, consiguiendo que se entrelacen, confundiendo el límite entre uno y otro. Realiza numerosos autorretratos y se vale de cuerpos femeninos y masculinos para sus obras (niños y adultos, rara vez de ancianos).

He escogido a este fotógrafo por la originalidad de su obra, el propósito de aunar hombre y naturaleza en su estado más puro y las formas resultantes de esa unión.

También porque, así como en la fotografía de Madoz dos objetos diferentes se aunan para formar uno nuevo con un nuevo sentido, en la fotografía de Minkkinen dos objetos diferentes se aunan, reafirmando su silueta y significado.

Así como las rocas y los árboles no han cambiado mucho con el tiempo, nuestros cuerpos no son muy diferentes hoy de lo que eran quinientos años atrás, manos, dedos, dedos de los pies, todas las cosas básicas que son esencialmente las mismas.
Durante treinta años he estado trabajando con esta única idea: utilizar mi propio cuerpo como medio de expresar nuestra relación con la naturaleza.

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Artistas de referencia: JOHN CAGE

Compositor estadounidense (1912- 1992) que influyó notablemente en la vanguardia de su tiempo, tanto en la música como en la danza. Estudió con los compositores estadounidenses Henry Cowell y Adolph Weiss, así como con el compositor de origen austriaco Arnold Schönberg (padre del dodecafonismo). En 1942 se afincó en Nueva York. Por influencia del zen, Cage utilizó con frecuencia los silencios como un elemento musical, dando a los sonidos una entidad dependiente del tiempo; de esta manera buscó en su música un decageden lógico. En Music of Changes (1951), para piano, las combinaciones de tono aparecen en secuencias determinadas por agentes aleatorios.

En ocasiones dejaba que el azar eligiera sus composiciones (la llamada música no-intencional). Por ejemplo, llegó a usar un método según el cual se perforaba una hoja de papel en los lugares en los que se encontraba alguna imperfección, para luego mediante un papel transparente iba calcando estas marcas sobre un pentagrama.

Ya en la década de los 30 comenzó sus primeros trabajos e invenciones como su sistema de veinticinco tonos. Usó distorsiones para sus instrumentos llegando a declarar: "Creo que el uso de ruidos en la composición musical irá en aumento hasta que lleguemos a una música producida mediante instrumentos eléctricos, que pondrá a la disposición de la música cualquier sonido y todos los sonidos que el oído pueda percibir. Se exploran los medios fotoeléctricos, el filme y diversas mecanismos para la producción de música". Durante los últimos años de esta década Cage inventó el piano preparado, al cual le había insertado en el encordado una serie de tornillos, tuercas y trozos de goma y madera que dotaban al instrumento de una variedad nueva de posibilidades sonoras.

En 4'33'' ( http://es.youtube.com/watch?v=HypmW4Yd7SY ), los intérpretes se sientan en silencio ante sus intrumentos durante toda la obra; los sonidos inconexos del ambiente constituyen la música. Entre sus libros deben mencionarse Silence (1961), Empty Words (1979) y X (1983)

He escogido a este compositor porque, al igual que Igor Stravinsky, su modo de ver la música supuso una ruptura; aunque hay un abismo entre la forma de crear y modos de pensamiento de Stravinsky y Cage. No admiro a este artista por sus composiciones ni sus teorías, sino que decidí añadirlo a mi cuaderno para tener la posibilidad de investigarlo más a fondo, pues aquello de que ha de haber necesidad de unas reglas (por las que abogaba Stravinsky) está en Cage bastante difuso; de hecho, él mismo afirma que es creador de la llamada música no-intencional.

Es por ello que decidí enfrentar a ambos compositores: la ausencia de orden de Cage y las reglas estrictas de Stravinsky.

¿Y cual es el propósito de escribir música? Uno es, por supuesto, no ocuparse de propósitos, sino de sonidos. O quizás la respuesta debe darse en forma de paradoja: una falta de propósito intencionada o un juego sin propósito. El juego, sin embargo, es una afirmación de vida - no un intento de extraer orden del caos, ni de sugerir mejoras en la creación, sino simplemente un modo de despertar a la vida misma que vivimos, que es maravillosa una vez que apartamos nuestra mente y nuestros deseos de su camino y la dejamos actuar por si sola.

Artista de referencia: IGOR STRAVINSKY (pensamiento)

Compositor ruso, una de las figuras más influyentes de la música del siglo XX (1882- 1971) estudió derecho en la Universidad de esta ciudad. Allí conoció al hijo del compositor ruso Nikolái Rimski-Kórsakov, músico que le dirigió sus primeras composiciones musicales, aunque más adelante se ocupará de componer para Ballets Rusos (El pájaro de Fuego, Petrushka), una labor a la que se dedicó muchos años.

Al estallar la I Guerra Mundial, se trasladó a Suiza. Allí, en parte debido a que las difíciles condiciones sociales y económicas no permitían la representación de proyectos mayores, compuso Historia del soldado (1918) para 7 instrumentistas, 3 actores y una bailarina, donde se advierte su desilusión por los años de guerra y el impacto del jazz.En 1920 se trasladó a París, donde además de componer también trabajó como pianista y director.

Hacia 1923 empezó a componer sus primeras obras neoclásicas, marcadas por su interés en el estilo de los siglos XVII y XVIII. Estas obras también se caracterizan por un ideal de objetividad que en parte era una reacción contra el emocionalismo de finales del romanticismo.Este ideal se refleja posteriormente en su Autobiografía (1935), donde escribió: "La música no tiene, por naturaleza… poder para expresar nada" y opinaba que los intérpretes debían seguir las intenciones del compositor sin complementarlo con sus propias ideas-posición estética con un fuerte impacto en la música moderna.


En 1948 Stravinsky entabló amistad con el joven director estadounidense Robert Craft, quien le animó a escuchar la música de los serialistas, que trataban la melodía atonal como una serie de tonos sin relaciones armónicas o melódicas y cuyas técnicas se basan en el sistema dodecafónico del compositor vienés Arnold Schönberg. Poco a poco Stravinsky empezó a utilizar las técnicas seriales, integrándolas a su manera (como había hecho con todas las anteriores influencias musicales). Muere en 1971.





He escogido a este artista porque creo que me ayudará a comprender más a fondo la música del siglo XX desde sus inicios y porque, al igual que Picasso, utilizó gran variedad de estilos, siendo también creador de nuevas formas de creación. Así quizás, vieno los orígenes de las nuevas formas del arte contemporáneo podamos comprender lo que se origina hoy en día, y si todo es válido o no.

En cuanto a los estilos propios de Stravinsky; un estilo fecundo con influencias de la música tradicional rusa, el primitivismo, el jazz, el neoclasicismo, la bitonalidad, la atonalidad y el serialismo. Su gran habilidad como compositor pienso que residía, en parte, en su capacidad para seguir evolucionando y en hacer suyas las técnicas nuevas. Admiro la obra y pensamiento de este autor por su originalidad, fuerza y racionalidad, y también porque fue una referencia para todos los artistas del s. XX
Quizás lo admire tanto porque dejaba poco margen a la interpretación, todo estaba escrito, mediante reglas estrictas, y concretado, hasta el mínimo detalle, mientras que en la época clásica todos los matices y detalles expresivos, así como las cadencias corrían a cargo del intérprete, siguiendo por supuesto las convenciones de la época. De ahí la frase que puse encabezando este blog: "Si todo me estuviera permitido, me perdería entre tanta libertad"

Artista de referencia: CHEMA MADOZ

José María Rodríguez Madoz nace en Madrid, en 1958.
Entre los años 1980 y 1983 cursa Historia del Arte en la Universidad Complutense de Madrid que simultanea con los estudios de fotografía en el Centro de Enseñanza de la Imagen. La Real Sociedad Fotográfica de Madrid expone la primera muestra individual del autor en el año 1985.
A partir de 1990, comienza a desarrollar el concepto de objetos, tema constante en su fotografía hasta la fecha.
En 1991 el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía muestra la exposición "Cuatro direcciones: fotografía contemporánea española" que itinerará por varios países. Algunas fotografías de Madoz forman parte de esta exposición.


Ese mismo año recibe el Premio Kodak.
En 1993 recibe la Bolsa de Creación Artística de la Fundación Cultural Banesto. La Editorial Art-Plus de Madrid edita en 1995 su primera monografía: el libro "Chema Madoz (1985 - 1995)".
Tres años más tarde es la Editorial Mestizo, A. C., de Murcia quien le publica un tomo al artista. El libro se titula "Mixtos - Chema Madoz".
En el 2000 el fotógrafo madrileño recibe el Premio Nacional de Fotografía en España. Ese mismo año la Bienal de Houston Fotofest le reconoce como "Autor Destacado".












Personalmente, lo que me interesa de este autor el nuevo sentido que da a los objetos, los descontextualiza, juega con el surrealismo, mezcla texturas, formas y surge una nueva identidad, una nueva función, un nuevo objeto que consigue sorprenderme.

... las fotografías no son solo el reflejo de lo que estaba ahí (una suerte de memoria portátil), -nos comenta Fernando Castro- también tienen que ver con la conciencia de la desaparición...... en sus metaforizaciones fotográficas enmarca cosas de una singular simetría o hace que nos fijemos en sencillos desplazamientos, en puntos de vista que modifican lo real...

Artista de referencia: MAN RAY (Emmanuel Radnitzky)

Nació en 1980 en Filadelfia (Estados Unidos) de familia judía, se traslada a Nueva York en 1897. Estudia en la Hihg School y en La Escuela de Bellas Artes del Francisco Social Center de NY. En 1913 pinta su primer cuadro cubista, un retrato de Alfred Stieglitz.
En 1915 hizo el primer one-man-show, con el que se hizo famoso su nombre por América como uno de los primeros pintores abstractos.
Con Duchamp participa en experimentos fotográficos y cinematográficos y en la publicación del número único de New York Dadá. Impulsado por Duchamp, Man Ray se mudó París en 1921, con la única excepción de 10 años (entre 1940 y 1951) que vivió en Hollywood durante la Segunda Guerra Mundial, pasó el resto de su vida allí. Man Ray fallece en Francia en 1976


Lo que creo que este autor me puede aportar y lo que más valoro es el hecho de que trabajó con todos los medios posibles (pintura, escultura, fotografía y películas), además de que el ingrediente surrealista es algo que me gustaría incluir en el trabajo.


Por supuesto, habrá siempre los que miran solamente la técnica, que pidan el “cómo”, mientras que otros de una naturaleza más curiosa se preguntarán “porqué”. Personalmente, he preferido siempre la inspiración a la información